澎湃たる新聞記者黄松

「夢を覚ます：音の旅」がこのほど、上海西岸美術館で公開された。西岸美術館とポンピドゥー・センター展陳の協力プロジェクトとして、ポンピドゥー・センターからの新メディア館蔵15点近くが中国芸術家の視聴装置と音声彫刻と共同で展示され、媒介と音声自体の潜在能力として「音」をより広く見ることができる。

では、「サウンドアート」とは？どのような作品が「音の芸術」の範疇に入ることができますか。「音」と空間の関係はなぜ？これらの問題を抱えて、澎湃芸術は「夢を覚ます：音の旅」の企画展人を訪問した。ポンピドゥー・センター国立現代芸術博物館新メディア芸術センターのマルチェラ・リスタ（Marcella Lista）氏は、2019年西岸美術館初の特別展「観察―ポンピドゥー・センター新メディアコレクション展」の企画展人でもある。

展示と「サウンドアート」の歴史について

澎湃ニュース：2019年、西岸美術館とポンピドゥー・センター5年展陳協力プロジェクトの初の特別展「観察―ポンピドゥー・センター新メディア所蔵展」を企画し、新メディアの文化への影響に注目した展覧会、この5年後、「夢を覚ます」は「音」を特別展のテーマとして、画像（視覚芸術）から音まで、2つの展覧会が伝える観念の違いは何ですか。

リスタ：2つの展覧会は、メディアに基づく作品に特に注目し、これらのメディアを通じて現代的な議題を検討しようとしています。特別展「観察」では、メディアが観察にどのようにツールを提供するかを考え、私たちの「見方」を深く変えました。（望遠鏡、顕微鏡、ビデオカメラなど）「視覚の機械」を仲介としているため、感知過程の遅延と変位が発生し、科学的な審査、医学的な検査と監視などの問題を含む「専門化」凝視を重視する新しい視点に至り、芸術家が映像芸術の初期段階で、電子信号のリアルタイム発信と受信を探索し、さらに映像を利用して物事、場所、人物を観察する文化と実践も含まれている。

現在の展覧会は聴覚分野に焦点を当てており、角度は全く異なる。「覚醒夢」は別の知覚と状態であり、より隠喩のようなものであり、それによって多層的な意識を検討する。ほとんどの文化では、視覚は「主導的」な感覚であり、分析活動が容易である。しかし、聴覚は私たちの足場と空間方向感覚をバランスさせることができ、それは私たちが生きている世界を異なる方法で認識することができます。

澎湃ニュース：「サウンドアート」はどのように定義されているのか？いつまで遡ることができますか。「実験音楽」と「音声芸術」の違いは何ですか。

リスタ：今回の展覧会の出発点は「音の芸術」ではありません。この概念は芸術学科やカテゴリとして1970年代末に創造され、当時ニューヨーク現代芸術博物館（MoMA）は空間中の音の探索の芸術実践を合法化することを志していた。注目すべきは、MoMAが1979年に「サウンドアート」という展覧会を開催したことだ。それに伴い、ロスリー・ゴールドバーグ（Roselee Goldberg）は同年に『パフォーマンスアート：未来主義から現在まで』と題する著書を出版した（その後何度も再版と再版）。

これは学術界と博物館分野、そしてその後の芸術市場のビジョンを反映しており、実験芸術形式への関心を集め、パフォーマンス芸術分野からのタイムベース芸術（time-based art、またはタイムアート）に機関認可を提供し、これらの芸術形式と視覚芸術との間の交差影響を考慮している。

これらの影響と対話は、芸術史上にとっくに存在し、前衛芸術と現代芸術の主要な特徴であると思います。マルセル・デュシャン（Marcel Duchamp）は1913年のノートに「音の彫刻」を想定し、同年ルイジ・ルソロ（Luigi Russolo）は「騒音の芸術」を宣言し、都市の原始的な騒音をチューニングするために特定の楽器を作り始めた。

「実験芸術」と同様に、「実験音楽」の概念はラベルやカテゴリではなく、20世紀から70年代の芸術実践全体が経験した探索段階を概説するためのものであり、この探索は内向き（媒体本体をめぐる自己反省モード）であり、外向き（芸術形式の材料、技術、テーマ、過程を拡張することによって、特定の芸術実践の既定の規範を超える）である。

とはいえ、今回の展示はサウンドアートについてでも実験音楽についてでもありません。

澎湃ニュース：視覚と聴覚芸術の関係と違いは何ですか？どのような作品が「音の芸術」の範疇に入ることができますか。今回の多くの展覧会に出展した芸術家は、自身も視覚芸術家であり、どのように彼らの声の作品を定義するのか。

リスタ：芸術史学者や企画展人として、「サウンドアート」「パフォーマンスアート」「ビデオアート」や「デジタルアート」などをカテゴリーに指す必要はないと思います。この分類は簡単に現在の芸術実践が使用されているメディアによって定義されていると仮定していますが、状況はそうではないと思います。

実際、私のこれまでの仕事は、分類の権威を超えた芸術の実践、作品、状況を模索してきました。西岸美術館の展示では、芸術家たちは空間、音、画像、技術、彫刻、光など様々な要素を駆使している。彼らの中には、音楽の分野から来ている人もいれば、芸術大学の訓練を受けている人もいれば、視覚芸術の分野の材料を利用して創作を行っている優れた作曲家もいれば、その中の1つ以上の分野での経験に基づいて独学で才能を身につけている人もいます。今回の展覧会で私を惹きつけたのは、選択した芸術作品の集合点であり、「音」を進行担体と見なし、変位と旅の概念をカバーしています。

澎湃ニュース：西岸美術館は過去の展覧会で視覚芸術の作品展陳を主とすることが多かったが、今回の「夢を覚ます：音の旅」では音に焦点を当て、表現と知覚方式で視覚作品と何が違うのか。

リスタ：技術的には、音を含む作品を展示することは常に挑戦です。音は液体のように流れる。それが面白い理由でもあり、制限されたり止まったりすることが難しく、私たちがほとんど把握できない雰囲気を作り出しています。

今回の展覧会では、展示デザインのイザベル・レイモンド（Isabelle Raymondo）が2つのメインラインで展覧会を定義した。1つは旅と変位の概念で、2つは幻想的な空間を構築することだ。「覚醒夢」は私たちを現実から脱出させる夢ではなく、私たちがそれを異なる、拡張された感覚と意識で見ることができるようにします。展陳設計では、彼女はそれを実現するために奇妙なアイデアを出した。まず、彼女は展示所の展示室3の本来の四角い構造を打破し、視覚的に斜交グリッドを作り、異なる空間感を導入し、それによって普通ではない展示動線を設計した。次に、彼女は通常ビデオと音声を主に媒介する「ブラックボックス」式の展覧会を放棄した。展示室の壁の薄い灰色の選択、ガラス遮断の透明性、半透明カーテンの使用はすべて空間に意味不明な雰囲気を作り出し、「白昼夢」の状態を構築した。

澎湃ニュース：今回の展示作品は西岸美術館の外にある黄浦江のほとりにも広がっているが、「音」は空間と環境とどのような関係があるのだろうか。

リスタ：音の素晴らしさは環境と一体化していることです。ビル・フォンタナ（Bill Fontana）の傑作を展覧会の始まりにしました。この作品は屋外にあり、黄浦江のほとりから美術館2階への階段が徐々に敷かれている。ビル・フォンタナは60年代にニューヨークでジョン・ケイジ（John Cage）に従って音楽作曲を学んだことがある。彼は早くから「音の彫刻」についての探索を始め、建物のテラスの周りを囲むように拡声器を配置し、その建物の一室のスピーカーでリアルタイムにこれらの音を放送することで、視聴者は音の出所を知らなかった。彼の作品が生み出す音は、都市の音景と物体の共鳴の混合であり、物体そのものの形から、特定の高調波が反響する。

西岸美術館に展示されている作品には、フォンタナが2種類の声を集めている。ノートルダム大聖堂からの鐘の音。2019年にノートルダム大聖堂で火災が発生した後、鐘の音は静止した。芸術家はノートルダム大聖堂の保護と修復を担当する公共機関と共同で、鐘楼内の教会の鐘に関する創作に着手した。もう1つの音は、地球温暖化で溶けているオーストリアのダヘシュタイン氷河から来ています。この2つの場所には、アーティストが地震加速度計を設置しており、地震が発生する前に地震を検出するための極めて精密なセンサーデバイスです。これらのセンサーは人の耳では捉えられない音を増幅することができる。フォンターナーの作品には、聴覚（耳）と視覚（目）を分離するために遠い音の源が見えないという非常に強い観念がある。そのため、特定の特徴を持つ音を体験しましたが、作品のタイトルからでない限り、常に認識できるわけではありません。西岸美術館の外では、川からの様々な音、特に船の音と完璧に融合しています。

もう1つ注目すべきは、現在成都に常駐している中国人芸術家の孫瑋氏が創作した「声寺」（2021）である。これは音響学キャビティ（acoustic chambers）を通じて体験した電子作品で、古代寺院の音響学に好まれた周波数をもとにしている。ここで、再び音の遊牧特性を体現している。これは3つの電子音楽作品で、見学者は3つの掛けられた音響キャンバスカバーの下に入って感じを聞くことができ、これらの音は芸術家が何らかの方法で編成（簡単な原音再現ではなく、実地録音とオンラインで収集した256 Hzと432 Hz周波数の音の再調音バージョン）し、異なる場所と環境に移り、寺の音景観を再建する。

私がとても気に入ったのは、デイビッド・チッパーフィールド（David Chipperfield）が設計した美術館の壮大な中庭に身を置くことです。それ自体は他のもっと古い建物のエコールームのように、瞑想に特化し、より長いスケールで時間を感じることができます。

サウンドアートと中国

澎湃ニュース：今回の西岸美術館の展覧会では、中国の芸術家とその音声芸術作品も少なからぬ比重（1/4近く）を占めているが、彼らはどのように選出されたのか？

リスタ：実は中国では、音の芸術における使用は悠久で重要な歴史を持っている。展覧会に現れる媒体として、21世紀初頭にはますます重要になってきた。上海では、「西岸2013建築と現代芸術のビエンナーレ」期間中に開催された「回転数：中国音声芸術大展」は、中国の音声芸術創作を全面的に見つめ、表現する重要な瞬間である。孫玮も2013年に同展覧会に出展したアーティストの一人だ。

2013年の展覧会に参加したもう一人の芸術家の王長存氏は、今回の展覧会で彼の作品「滝」（2013）は実地録音の伝統を採用し、アナログテレビの静音を結合した。

楊嘉輝と葉慧は音楽作曲の訓練を受けたことがあり、現在の芸術実践には装置、映像、パフォーマンスが含まれている。特に楊嘉輝氏は、20年以上にわたり、中国ひいては国際舞台で音声を媒体とし、概念芸術とマルチメディア装置の発展を推進するリーダーの一人となり、堅実な理論文章を数多く執筆してきた。劉窓と陶輝は視覚芸術の背景を持っており、ここに展示されている作品は音楽の社会的機能を中心に展開されている。中国の芸術家がそれぞれの作品で見せた驚異的な力のほか、ポンピドゥー・センターの所蔵作品とともに今回の展覧会で共通の関心を持ついくつかの問題を検討した。

澎湃ニュース：私は、中国の芸術家王長存の映像装置作品「滝」が現在上海多倫美術館に展示されていることに気づきました。この2つの展覧会のこの作品の異なる解読をどう思いますか。

リスタ：私は上海にいる間にドーロン現代美術館の芸術家、音声芸術学者の殷波策展の「聴路：中国現代音声芸術実践」展を見学してとても嬉しいです。その前に、私たちは王長存の同じ作品を展示することに興味があることに気づきました。そこで、私たちはアーティストと協力して、2つの異なるバージョンの作品を表現します。

「聴路」展覧会は中国の音声芸術の実践に対する3回の歴史展覧会の記録から始まり、それぞれ2006年（「バトシを呼び覚ます」、ロンドン）、2013年（「回転速度：中国音声芸術大展」、上海）と2021年（「原音：太原の地方音声景」、太原）である。【注：「聴路：中国現代音声芸術実践」策展人殷波が王長存の『滝』を選んだのは、形態的にはこの作品が初期ビデオ芸術や新メディア芸術に似ているからであり、視聴関係では、視聴分裂後の人の感覚融合能力の議論である。】

私は、それを「夢を覚ます：音の旅」展に含めることにしました。これは、現代以来、人々は音と画像の間の「翻訳」を反映したり、創造したりしたいと望んできたことを示唆しています。つまり、音を「見る」ことや画像を「聞く」ことです。

実際、王長存氏の作品では、最初はCRTテレビディスプレイ（ブラウン管ディスプレイ）上の「雪片スクリーン」に対応して放送されている「白騒音」を聞いていると思っていたが、実際には滝の田野録音だった。

芸術家は音響幻覚を弄し、ディスプレイを垂直に並べることで滝の形を暗示した。芸術家は積み上げられた映像の流れを水の流れと想像するのも詩的だ。

その向かいにある『満円』（1978）は、米国の実験ビデオアートの先駆者ゲイリー・ヒル（Gary Hill）の歴史的な作品で、1970年代に音声入力をビデオ画面に可視化することに関連する作品を多く制作した。その過程は当時、白南準やビル・ビオラ（Bill Viola）などのアーティストの興味も引いた。このパビリオンエリアでは、直線と円形が対峙しており、技術的にも私たちの想像の中でも、音の可能な形についての興味深い思考です。

澎湃ニュース：2010年前後にヨーロッパと北米でターナー賞を受賞したスーザン・メアリー・フィリップス（Susan Mary Philipsz）、2013年にドイツのカルルスルーエ芸術とメディアセンター（ZKM）、米国現代芸術博物館（MoMA）で音声芸術をテーマにした大展が開催され、これらの事件は「音声芸術が台頭している」という情報を伝え、10年を経て音声芸術の発展の現状はなぜ？現在の視覚芸術家が大量に音を材料として使用している現象をどう思いますか。

リスタ：私が先に述べたように、私が知っている限りでは、初めて展覧タイトルに「サウンドアート」を含む展覧会は1979年にニューヨーク現代芸術博物館（MoMA）で開催されました。この展覧会の後、多くの他の展覧会も1980年代に行われ、特にドイツでは、そこの音楽前衛史は20世紀前から数十年前に非常に強い観念の転換を起こし、特に音楽を空間芸術と見なしていた。

確かに様々な分類やラベルには定数がありません。芸術史学者として、私にとってもっと重要なのは、さまざまな伝統とその発展、そしてそれぞれの芸術研究と立場の特徴を見ることです。

創作材料については、意識的で明瞭で人目を引く方法で音を使う芸術の実践は非常に多様化していると思います。芸術的な選択は必要な時だけ面白いと言いたい。

澎湃ニュース：今回の展覧会にはポンピドゥー・センターの新メディア館蔵から15組近くの作品が展示されていますが、ポンピドゥー・センターにはサウンドアートに特化したコレクション体系がありますか。コレクションの次元から見ると、ポンピドゥー・センターはサウンドアート作品をどのように配置しているのだろうか。

リスタ：ポンピドゥーセンターの所蔵品の一部はメディア別、一部は年代別。今回の展覧会のほとんどの作品は新メディア館に収蔵されている。興味深いことに、新メディア芸術センターの所蔵と撮影と実験映像の所蔵は1977年に始まり、当時数十年の歴史を持つフランス国立現代芸術博物館が新しく建てられたポンピドゥーセンタービルに搬入された。

ポンピドゥー・センターの隣には、フランスの作曲家ピエール・ブルズ（Pierre Boulez）が率いるIRCAM（ポンピドゥー音響と音楽研究センター）が同時に設立されており、新しい音楽技術ツールを開発するためのユニークな国際実験室の開発を志している。有名なMax/MSPソフトウェアは、1980年代半ばに開発された世界的な実験音楽に今でも使用されています。

この公共機関のクラスターであるポンピドゥー・センターとIRCAMは、当時の博物館コレクションの理念を大胆に革新した。現在の新しいメディアアートコレクションは、ビデオ、サウンド、初期インタラクティブメディア、アーティストのウェブサイト、および生成アルゴリズムアート作品、ブロックチェーンに基づくアート作品をカバーしています。

ポンピドゥー・センターのコレクション体系の重要な基準の1つは保護である。各部門にはこの点について特定の専門知識がある。しかし、マルチメディア作品の中には適用が難しいものもあります。例えば、今回の展覧会では、毛利悠子（Yuko Mohri）の作品「パレード」（2011-2017）は、非常に脆弱な実物を用いているため、まず彫刻とされている。この作品をインストールするには、新しいメディアアートチームだけでなく、モーターやデジタルタイマーに関する動力学作品を専門に扱うポンピドゥー内部の電子機械チームの協力も必要です。総じて言えば、現代芸術分野にとって、ポンピドゥー・センターは部門を超えた協力の伝統を持っている。

澎湃ニュース：展覧会の最後の章「音波ネットワーク」では、盛んに発展しているソーシャルメディアが現れた。現在、ソーシャルメディアの画像が芸術創作に進出していることをどう思いますか。

リスタ：最後の章の3つの作品を展示し、人間の自意識がインターネットとどのように相互作用し、対抗するかを異なる方法で検討した。ソーシャルメディアはこの問題の一部にすぎず、より大きな分野はネットワークであり、ネットワークは活発で24時間365日の拡張現実の分野であると思います。プエルトリコ出身の若手芸術家モリ・ソダ（Molly Soda）は、ほぼ完全にソーシャルメディア上で創作している。1980年代以降、オンライン上でのみ展示されているアーティストの作品が何世代も存在している。革新的な点は、モリ・ソダが彼女の作品を芸術品としてラベル化していないことだ。それは明らかにインターネットの生態系と文化に対する批判的な探索（積極的な意味で）に関連しているにもかかわらず。

彼女は慎重に普通のプラットフォームとフォーマットに埋め込み、作品を別の投稿に見せかける。私にとって、これは興味深い姿です。インターネットを通じてグローバル化が進む現在の生活分野では、カテゴリーを超えた芸術的な形が述べられています。

注：今回の展覧会は9月17日まで続く

【責任編集：李丹萍】